Recensione del movie ‘Marty Supreme’: Timothée Chalamet spaccia il destino nella monumentale prova di autostima di Josh Safdie

Apre Josh Safdie Marty Supremo con una sorta di sicurezza ammirevolmente volgare, suggerendo che l’ambizione sarà ora trattata come una funzione decisamente corporea. Lo fa mettendo in scena i titoli di testa come il concepimento stesso, dove un ovulo umano viene fecondato e immediatamente estetizzato in una pallina da ping-pong rotante impostata su scintillanti sintetizzatori anni ’80, come se il destino fosse qualcosa che potresti creare attraverso la pura forza del bisogno. Il personaggio titolare, incredibilmente vanaglorioso, di Timothee Chalamet trascorre le successive due ore e mezza comportandosi come un uomo convinto che l’universo lo abbia già approvato retroattivamente, il che lascia tutti gli altri bloccati a vivere nelle scosse di assestamento della sua autostima.

Ambientato nel 1952 ma vibrante di un’inquietudine che non appartiene a nessun singolo decennio, Marty Supremo segna il secondo lungometraggio solista di Josh Safdie dal 2008 I piaceri di essere derubatie segue Marty Mauser, un venditore di scarpe del Decrease East Facet il cui prodigioso talento nel ping-pong conta meno della sua convinzione che il talento dovrebbe dargli diritto alla velocità, all’accesso e al perdono. Safdie capisce che questa convinzione è comica e letale, il che consente al movie di prendere in giro Marty pur continuando a monitorare il danno che si lascia alle spalle.

Marty entra nel movie già a metà del trambusto. Va a letto con una donna sposata nel retro di un negozio di scarpe di famiglia da cui desidera scappare, e parla del suo futuro con arrogante certezza. Chalamet lo interpreta come un overclock verbale, mezzo battito avanti rispetto a tutti gli altri nella stanza perché si rifiuta di aspettare il permesso per finire un pensiero. Quella fiducia getta i semi per ciò che segue poiché ogni scelta successiva cresce logicamente dal rifiuto di Marty di accettare attriti o battute d’arresto come tutt’altro che un inconveniente temporaneo.

Safdie inquadra la New York dei primi anni ’50 come una pentola a pressione in cui denaro, sesso e ambizione circolano attraverso lo stesso untuoso sistema di ventilazione, così che il membership di ping-pong diventa una combinazione di casa del flop, cappella e fabbrica di delusioni, incubando all’infinito la fantasia maschile di Marty. Marty prospera in questo ambiente compresso perché la compressione premia il quantity, ma nel momento in cui lo lascia – in particolare durante il suo incontro londinese con il monaco imperturbabile Koto Endo – i limiti della sua velocità diventano impossibili da ignorare. Il suo rifiuto di dormire con gli altri giocatori, seguito dal suo immediato trasferimento al Ritz, gioca come importanza strategica, dal momento che Marty intuisce che essere visto conta almeno quanto essere bravi e spesso paga meglio. La relazione con Kay Stone di Gwyneth Paltrow procede come una dolce trattativa in cui l’intimità sostituisce il capitale, e Safdie indugia giusto il tempo necessario per mostrare a Marty che confonde l’adiacenza alla ricchezza con l’iniziazione advert essa. Perdere la finale contro Endo sgonfia la fantasia dell’incoronazione, anche se Safdie riserva la vera punizione a più tardi.

Un’immagine da ‘Marty Supreme’ | Credito fotografico: A24

La squisita colonna sonora di Daniel Lopatin articola l’ambizione più chiaramente di quanto avrebbero mai potuto fare i dialoghi e ricollega il rapporto del movie con la storia. La scelta di inondare una storia degli anni ’50 con sintetizzatori anni ’80 e inni new wave crea una dissonanza produttiva, poiché la musica si muove verso il futuro mentre i personaggi rimangono intrappolati in gerarchie out of date. I segnali di Lopatin si comportano come il sistema nervoso di Marty, spingendosi oltre il corpo e trascinando la narrazione verso un orizzonte immaginario che non arriva mai del tutto.

Quando Marty torna a New York, il movie cambia marcia dalla propulsione alle ricadute, e la pressione inizia a ridistribuirsi su ogni persona abbastanza sciocca da restare ancora nelle vicinanze. La gravidanza di Rachel (Odessa A’zion) fa esplodere la fantasia di un rinvio infinito richiedendo conseguenze sotto forma di calendario, mentre le improvvisazioni preferite di Marty mascherate da ingegnosità si trasformano in una catena di schemi sempre più folli che coinvolgono un cane rapito, un gangster sempre più irritato, piste da bowling suburbane e la sistematica liquidazione della fiducia. Safdie resiste all’escalation effective a se stessa, optando invece di lasciare che ogni disastro si svolga come risposta logica all’ultimo, il che conferisce al caos una nauseante coerenza anche se la traiettoria piega inequivocabilmente verso il collasso. Niente qui sembra casuale: tutto sembra guadagnato nel modo più dannoso possibile.

Chalamet rende leggibile questa discesa rifiutando ogni parvenza di interiorità. Marty non si ferma a pensare perché pensare lo rallenterebbe, quindi la efficiency funziona solo sull’appetito, calibrata sulla fame piuttosto che sulla riflessione. Quando l’umiliazione diventa la tariffa di copertura per continuare a muoversi, Marty paga istantaneamente e senza ricevuta, trattando la dignità come un bene liquido destinato a essere speso, reintegrato e speso di nuovo. Ciò che rende pungente la efficiency è la disinvoltura con cui esegue questo scambio, come se convertire il rispetto di sé in slancio in avanti fosse semplicemente un altro costo di fare affari in un mondo che continua a premiare l’uomo più rumoroso nella stanza finché non arriva il conto.

I fratelli Safdie sono stati trascinati in un’atmosfera da critiche che descrivono i loro movie semplicemente come “stressanti” o “induttori di ansia” piuttosto che chiedersi cosa stia effettivamente facendo quello stress, e Marty Supremo rende impossibile ignorare la povertà di quella stenografia. Il tessuto connettivo da cui parte Buon momento Attraverso Gemme non tagliate e in questo movie ha poco a che fare con i nervi e tutto a che fare con l’esposizione, dal momento che Josh Safdie continua a tornare al capitalismo come un sistema che richiede un abbassamento ritualizzato prima ancora di offrire anche solo l’illusione della mobilità. La vita di Marty diventa un sillabo di umiliazioni richieste, ognuna inquadrata come un tributo ragionevole per la continua partecipazione, sia che quel pedaggio arrivi sotto forma di una multa, un divieto, un pubblico remando sul barbone o la graduale erosione di tutti coloro che credono in lui.

Un’immagine da ‘Marty Supreme’ | Credito fotografico: A24

Marty Mauser incarna una fantasia tipicamente americana in cui il destino si metastatizza in un esercizio di branding personale, e Safdie si diverte ovviamente a lasciare che quella fantasia si trasformi in una parodia. La sua convinzione che la grandezza gli sia dovuta sembra stranamente attuale, soprattutto se abbinata all’immagine delle palline da ping pong arancioni stampate con il suo nome e la sua promessa patriottica, poiché riecheggia il modo in cui il potere americano ama estetizzare se stesso come prodotto. Guardando Marty farsi strada oltre confine vantandosi della sua eccezionalità, diventa difficile non pensare a un altro simbolo arancione del ping-pong American Dream™ in tutto il paese alimentato da machismo infondato e fervore fascista commercializzato in modo aggressivo.

Safdie infila anche di lato uno dei coltelli più affilati del movie, coinvolgendo un po’ il “tesoro” dell’Olocausto che rende la violenza storica come qualcosa di denso, commerciabile e infinitamente travasabile una volta che sai come venderlo. La metafora emerge quando Marty spinge il suo ex rivale e sopravvissuto advert Auschwitz a invocare casualmente la sofferenza ereditata per facilitare l’accesso a un certo squalo (che sfortunatamente ha un posto di rilievo nel movie). Marty non articola mai questo sistema, eppure ne trae istintivamente beneficio, che è proprio il punto, dal momento che Safdie sembra alludere a come il trauma storico diventi una risorsa infinitamente rinnovabile che potrebbe giustificare praticamente qualsiasi cosa, il che ovviamente risuona con un particolarmente playbook a livello statale ben utilizzato.

È difficile da guardare Marty Supremo senza riconoscere che Timothée Chalamet aveva provato per questo ruolo molto prima che le telecamere girassero, soprattutto se si ricorda la sua impenitente dichiarazione di grandezza ai SAG Awards dell’anno scorso. L’arroganza di quel momento sembra un atto molto pubblico di metodo che agisce in retrospettiva, dal momento che la fame che ha mostrato lì è diventata la forza animatrice della sua efficiency qui. Chalamet interpreta Marty con una sete sfacciata che sembra allo stesso tempo estenuante e magnetica, e il movie trae vantaggio dalla sua volontà di far sembrare l’ambizione depravata. Per quanto mi addolori ammetterlo, guardare un ragazzo bianco insopportabile incanalare la patologia di un ragazzo bianco ancora più insopportabile si traduce in qualcosa di innegabile, perché Chalamet allinea finalmente la propria ricerca di convalida con un personaggio costruito per interrogarlo.

Possa la tua pagaia scheggiarsi e frantumarsi, Timmy Tim.

Marty Supreme è attualmente nelle sale

Pubblicato – 23 gennaio 2026 17:30 IST