Le Graffiti Towers di Los Angeles diventano simboli miniaturizzati di spreco e abbandono nell’interessante mostra di Sayre Gomez

Oceanwide Plaza avrebbe dovuto essere un trio di scintillanti grattacieli advert uso misto nel cuore del centro di Los Angeles. Invece, le loro carcasse non finite sono state abbandonate quando lo sviluppatore ha finito i soldi per la costruzione di lusso da 1 miliardo di dollari nel 2019; ora rappresentano la rovina dell’ambizione capitalista e una tela involontariamente spettacolare per audaci atti di graffiti. Un artista non avrebbe potuto immaginare un monumento migliore all’arroganza di uno sviluppo surriscaldato in una città dove così tante persone rimangono senza casa.

Di conseguenza, l’artista di Los Angeles Sayre Gomez ha costruito un modello in scala incredibilmente fedele delle torri, ora visibile fino al 1 marzo nella sua mostra “Valuable Moments”, alla David Kordansky Gallery. Creata da immagini delle torri reali catturate tramite drone, la scultura è alta più di 8 piedi ed è sorprendentemente accurata, registrando i dettagli di ogni singola opera di graffiti, le trame di cemento e ferro e i detriti di costruzione lasciati a casaccio sul sito. L’attenzione di Gomez nel ricreare queste sfumature non solo fornisce viste delle torri che non possono essere viste dalla strada, ma chiede ai visitatori di prestare attenzione allo spreco, all’abbandono e alle possibilità ostacolate che simboleggiano nel nostro nucleo urbano.

L’opera può essere paragonata alle sculture di Chris Burden, ma con fini molto diversi. Burden”Metropoli II,“ perennemente in mostra al Los Angeles County Museum of Artwork, è una vertiginosa pista circolare per macchinine che sfrecciano tra scintillanti grattacieli. Provoca meraviglia per la densità e il dinamismo di una città fantastica. “Oceanwide Plaza” di Gomez, al contrario, raffigura qualcosa di reale e piuttosto distopico. La scultura evidenzia lo svuotamento di un sogno di crescita sfrenata così come avviene, in tempo reale, nella nostra città.

Potrebbe rivelarsi un’istantanea fortuita. All’inizio di questo mese, la città di Los Angeles ha colpito un accordo di uscita dal fallimento che risolve le controversie creditorie e apre la possibilità di una vendita, aprendo la strada al cambiamento. La scultura di Gomez diventa così una testimonianza importante di un momento prezioso: quello in cui i residui dell’avidità furono messi a nudo affinché tutti potessero vederli.

Ciò che il modello non riesce a catturare è il modo in cui i graffiti sulle torri spesso risaltano, come se fossero blasonati contro il cielo di Los Angeles. Sicuramente scrivere il proprio nome tra le nuvole è un gioioso sfruttamento del progresso arrestato degli edifici, rivendicando uno dei pochi spazi in cui natura e città si incontrano in modo affidabile. Gomez riprende questo tema nei suoi dipinti fotorealistici, che spesso presentano cieli drammatici giustapposti a segni urbani in decomposizione. “Generi di gelato“ raffigura un tramonto tenero e luminoso che starebbe perfettamente a suo agio in una rivista di viaggi o in un opuscolo religioso, tranne per il fatto che è interrotto dalla massiccia cornice dell’insegna rotta di un negozio di alimentari. In “Vaccine Flag”, uno striscione verticale si inarca con grazia su una morbida sfumatura di foschia di Los Angeles, ma il tessuto dello striscione è così sbrindellato e decaduto che la pubblicità dei vaccini è appena leggibile. Il dipinto è sia una bella composizione che un commento sull’erosione della fiducia del pubblico nella scienza.

Sayre Gomez, “Vaccine Flag”, 2025, acrilico su tela, 84 x 60 pollici.

(Galleria Sayre Gomez/David Kordansky)

Tali immagini sollecitano un’interpretazione ironica del titolo della mostra, “Valuable Moments”, che si riferisce a una linea di figurine da collezione, spesso a tema cristiano che raffigurano bambini carini, per lo più bianchi, con occhi da cerbiatto e teste sovradimensionate. Solitamente impegnati in attività anodine, presentano versioni idealizzate dell’infanzia: piene di dolcezza stereotipata, innocenza e luce. Appollaiate sulle travi di una galleria ci sono due grandi bambole nello stile di queste figurine. Rappresentando i figli di Gomez, evocano qualcosa di più vicino alla realtà dei genitori: bambini adorabili, sgangherati e sporchi. Come “Oceanwide Plaza“ sovverte la fantasia della miniatura, le bambole fanno lo stesso per la statuina da collezione, chiedendosi cosa renda “prezioso” un momento.

La mostra comprende anche murales con immagini familiari dell’infanzia: uno è l’illustrazione di un enorme incidente stradale dell’autore di libri per bambini Richard Scarry. Il cacofonico accumulo di auto e camion guidati da un’ampia varietà di animali sembra una metafora della nostra società irrimediabilmente polarizzata, caotica e disattenta. Questo è ciò che la gente fa tutto il giorno! Mentre i libri di Scarry presentano tali catastrofi con colori vivaci e buon umore, Gomez mina questo allegria sovrapponendo al murale un dipinto quasi completamente nero di un desolato accampamento di tende davanti a una casa distrutta dall’incendio di Eaton. Il ventre oscuro del caos.

Alcune delle opere più forti della mostra sono dipinti di finestre, che raffigurano almeno tre spazi: cosa c’è dietro il vetro, la superficie del vetro contrassegnata da adesivi o cartelli e un riflesso dell’esterno. Queste immagini sembrano piccoli mondi premuti contro la superficie di ogni dipinto, simili agli schermi onnipresenti – telefoni, TV, laptop – che abitualmente appiattiscono la nostra realtà. “Finestra dell’appartamento“ è quasi astratto, inserendo una costellazione di adesivi di cartoni animati scrostati e sbiancati dal sole tra un tramonto riflesso e le strisce di tende verticali. È un’immagine misteriosa, che suggerisce il declino della gioia childish. “Finestra a bovindo“ è più inquietante, con il suo tramonto e gli allegri adesivi per bambini con tende marroni spiegazzate e un miscuglio di flaconi di pillole. Le dure realtà – in questo caso, la malattia e la dipendenza – spesso non restano dietro le quinte.

Sayre Gomez, “Vertigo”, 2025, acrilico su tela, 96 x 144 pollici.

(Galleria Sayre Gomez/David Kordansky)

Sono rimasto un po’ deluso nell’apprendere che i dipinti di Gomez non si basano su scoperte spontanee ma su composizioni di foto scattate in giro per la città. Le immagini sono composte intenzionalmente, ma perché dipingerle? Perché non realizzare grandi stampe dei collage digitali e concludere la giornata? Gomez ha lasciato almeno un indizio. Nel dipinto “Vertigo”, l’immagine di un’auto in cui qualcuno vive chiaramente appare davanti a un edificio sormontato da un grande annuncio con una donna attractive e sdraiata. Guardando da vicino, ho notato un sottile contorno nero tra l’auto e l’edificio, un frammento dello sfondo originale dell’auto. Includendo questo artefatto nel suo processo digitale, Gomez riconosce che il soggetto del dipinto non è la realtà vissuta per le strade della città, ma una proposta costruita. Trasformando tali proposte in dipinti, converte le sfuggenti immagini digitali in qualcosa di duraturo e tangibile. I suoi momenti preziosi non sono ricordi di un passato idealizzato, né proiezioni di un sogno allettante, ma interventi nel nostro complesso presente che rivelano strati belli e inquietanti.