Il Selection Arts Theatre di cinque piani in stile veneziano nel centro di Los Angeles aprirà le sue porte al pubblico per la prima volta dopo decenni venerdì – non come un tradizionale palazzo del cinema, ma come sede di una mostra insolitamente ambiziosa di movie e arte.
“What a Fantastic World: An Audiovisual Poem” dura sei settimane fino al 20 marzo e abbraccia più di 120 anni di immagini in movimento, dal primo cinema muto alla video arte contemporanea. Organizzata dalla collezionista Julia Stoschek – la cui fondazione privata costituisce il nucleo della mostra – e dal curatore Udo Kittelmann, la temporanea acquisizione suggerisce che la storia delle immagini in movimento è meno una linea retta che un ciclo di suggestions in cui le singole opere riaffiorano, acquisendo nuovo significato mentre passano nella memoria culturale condivisa.
“Siamo circondati da immagini in movimento”, ha detto Stoschek durante una recente visita alla mostra. “Modellano il modo in cui pensiamo, il modo in cui comunichiamo. Sono il principale linguaggio artistico del nostro tempo.”
Un ritratto della collezionista di videoarte Julia Stoschek. La straordinaria collezione di Stoschek, una delle migliori al mondo, viene presentata per la prima volta negli Stati Uniti durante una mostra intitolata “What a Fantastic World: An Audiovisual Poem”.
(Carlin Stiehl/Per il Occasions)
La mostra è arricchita dall’impressionante collezione privata di Stoschek composta da oltre 1.000 opere d’arte, centinaia delle quali sono digitalizzato on-line. L’arte basata sul tempo è notoriamente sotto-raccolta dalle istituzioni e sottovalutata dal mercato. Ma attraverso il suo prolungato impegno con gli artisti, Stoschek ha assemblato una delle collezioni più importanti del mondo e ne ha fatto buon uso.
La fondazione di Stoschek ha sostenuto dozzine di mostre, tra cui due padiglioni tedeschi alla Biennale di Venezia, e gestisce musei pubblici a Düsseldorf e Berlino. Per gli appassionati di videoarte, “What a Fantastic World” è un’incursione attesa negli Stati Uniti.
-
Condividi tramite
Anche se ci sono i popcorn, non ci sono posti a sedere fissi, né proiezioni temporizzate e nessun tentativo di raccontare una storia lineare del movie. Dalle 17:00 fino a mezzanotte, i visitatori sono invitati a vagare liberamente attraverso un fitto labirinto di immagini e suoni, dove monumenti cinematografici come “Un viaggio nella luna” di George Méliès (1902) e “Un cane andaluso” di Luis Buñuel (1929) sono sparsi alla rinfusa nelle gallerie accanto a pezzi contemporanei di artisti tra cui Marina Abramović e Wolfgang Tillmans. L’artista veneziano Doug Aitken presenta anche in anteprima un nuovo progetto, intitolato “Howl” (2026), a due giorni dall’inizio della mostra.
Al centro della scena, “Apex” (2013) di Arthur Jafa fa il suo debutto a Los Angeles. Ampiamente considerato un capolavoro di video arte, la sua traccia trascinante e sincopata pulsa su media appropriati da video musicali, filmati di notizie e cultura pop per formare un seducente montaggio di conquiste culturali nere, scene di brutalità e immagini vernacolari.
“Apex” proietta direttamente dall’altra parte dell’auditorium il primo movie d’animazione del fumettista del New York Herald Winsor McCay “Little Nemo” (1911), che presenta un principesco bambino bianco che balla accanto a caricature radicate nell’esibizione di un menestrello. Spesso contestualizzato come una pietra miliare dell’invenzione artistica intrecciata con la rappresentazione razzista, “Little Nemo” assume qui una valenza diversa. La pulsante colonna sonora del primo fa a pezzi l’incantevole logica onirica del “Piccolo Nemo”, mandando in frantumi l’illusione che Nemo – nonostante la sua resa virtuosistica – possa essere distinto in modo così netto dalle sue rappresentazioni grottesche.
Se il movie più vecchio dipende da una gerarchia visiva che isola la raffinatezza dagli stereotipi razzializzati, “Apex” rifiuta quella separazione. Fa crollare crudeltà e piacere, grazia e dolore in un caleidoscopio ritmico di sentimenti. L’effetto è estenuante e inquietante.
“Doku The Circulate” di Lu Yang viene riprodotto durante la mostra “What a Fantastic World: An Audiovisual Poem”, presentata dalla Julia Stoschek Basis al Selection Arts Theatre nel centro di Los Angeles.
(Carlin Stiehl/Per il Occasions)
Il montaggio cinematografico – introdotto da Sergei Eisenstein e reinventato da Jean-Luc Godard – diventa un principio organizzativo della mostra, poiché le opere d’arte competono per l’attenzione. Ci vorrebbero circa 12 ore per guardare lo spettacolo dall’inizio alla effective, ma Stoschek e Kittelmann consigliano un’ora o due di vagabondare senza meta. L’audio di un’opera si fonde con un’altra, mentre lampi di suoni e immagini familiari – riprese dell’11 settembre, una traccia di Britney Spears – funzionano come ciò che Kittelmann chiama “attivatori della memoria” che collegano esperienze personali e condivise.
Su un balcone, una registrazione della toccante interpretazione di Nina Simone del 1965 dello spirituale “Sinnerman” è ambientata su filmati d’archivio piratati del Movimento per i diritti civili e delle proteste contro la guerra del Vietnam. Altrove, i ragazzi delle confraternite si ubriacano tra le rovine Maya in “Cities of Gold and Mirrors” di Cyprien Gaillard“ (2009), mentre il vicino “Meditation on Violence” (1948) di Maya Deren cattura un rituale taoista di grazia maschile.
“What a Fantastic World” tratta la dissonanza, la cacofonia e l’intensità come metafore della vita quotidiana.
“Il mondo stesso è rumoroso e travolgente”, ha detto Kittelmann, sottolineando che il significato emerge quando le connessioni familiari si aprono, consentendo all’attenzione di spostarsi sugli spazi intermedi.
Il curatore Udo Kittelmann, a sinistra, e Julia Stoschek siedono di fronte a “Doku The Circulate” di Lu Yang alla mostra “What a Fantastic World: An Audiovisual Poem”, che porta per la prima volta negli Stati Uniti la fondamentale collezione di video arte di Stoschek.
(Carlin Stiehl/Per il Occasions)
Stoschek costruisce la sua collezione attorno a quella che lei chiama “arte con un’immagine residua”, cercando pezzi che permangono nella mente, per poi cambiare sottilmente registro. Il lavoro è spesso difficile e disorientante, ma lo scopo dello spettacolo non è quello di costringere gli spettatori a sottomettersi.
“Vogliamo che le persone entrino, si fermino, riflettano e se ne vadano con un cambiamento di prospettiva, con un barlume di speranza”, ha detto Stoschek.
Un senso dell’umorismo pungente emerge in luoghi inaspettati, come accanto allo specchio del bagno, dove è installato “The Making of Monster” (1996) di Douglas Gordon. Viene offerto un buffo momento di introspezione quando Gordon si sfigura il viso con del nastro adesivo.
Ex amministratore fiduciario del MOCA, Stoschek ha trascorso anni cercando di portare la sua collezione a Los Angeles, che lei definisce “il luogo di nascita della modernità visiva dell’immaginazione cinematografica”. L’accesso al Selection Arts Theatre ha rappresentato l’occasione perfetta. Opere di Dara Birnbaum e Elaine Sturtevant fiancheggiano l’ingresso dell’edificio, onorando le origini del teatro come centro civico femminile. Personaggi pubblici di spicco come Eleanor Roosevelt hanno parlato lì prima che diventasse un luogo di vaudeville. Charlie Chaplin ha partecipato all’inaugurazione.
Selection Arts è rimasto per lo più inattivo dagli anni ’90, vedendo affitti occasionali e lunghi periodi di posti vacanti. Nel corso del tempo è diventato un simbolo di abbandono e potenziale non realizzato nel centro di Los Angeles.
“La felicità (finalmente) dopo 35.000 anni di civiltà (dopo Henry Darger e Charles Fourier)” di Paul Chan viene proiettato durante la mostra “What a Fantastic World: An Audiovisual Poem” al Selection Arts Theatre nel centro di Los Angeles.
(Carlin Stiehl/Per il Occasions)
Presentarsi a teatro rappresenta un momento di chiusura del cerchio per Aitken.
“Sono andato a un matrimonio di famiglia lì quando avevo 5 anni, e agli spettacoli punk underground negli anni ’80 da adolescente”, ha detto, aggiungendo che la mostra e la sua ambientazione contrastano con la narrativa familiare secondo cui Los Angeles è “una città senza storia”.
Aitken traccia lo spirito guida dell’edificio attraverso il lignaggio culturale non canonizzato del centro – lungo Alameda Road e in luoghi come LACE e Al’s Bar – dove gli artisti fondevano musica e movie in acquisizioni di loft e installazioni d’avanguardia.
“Generazioni di artisti continuano advert ereditare la scatola bianca e pensiamo che sia lì che dovrebbe risiedere l’arte”, ha detto. “È una visione davvero conservatrice.”
“Che mondo meraviglioso”, ha affermato, modella un modo alternativo di mostrare la storia artistica di Los Angeles, un modo che corre parallelo alla narrativa dominante di Hollywood.
La facciata esterna del Selection Arts Theatre nel centro di Los Angeles, che apre le sue porte per la prima volta dopo anni per ospitare una mostra di video arte della Julia Stoschek Basis.
(Carlin Stiehl/Per il Occasions)
Anche Kittelmann ritiene che i cinema fisici siano essenziali per raggiungere story ambizione.
“Ci sono spazi molto rari in cui, una volta chiuse le porte, ci si dimentica del mondo esterno e si respira in modo totalmente diverso”, ha detto.
Attraverso la mostra, l’edificio può mostrare la sua pelle: i muri sono intonacati ma non verniciati, e il seminterrato è pieno di cianfrusaglie accumulate durante la sua lunga e colorata storia.
Alla effective del lungo corridoio del seminterrato è installato con forza “Untitled (Wave)” di Anne Imhof (2021). Nel video, Imhof si trova da solo in riva al mare e colpisce ripetutamente l’acqua con una frusta. Mentre lo fa, tutto il resto svanisce, lasciando solo questa immagine di resistenza solitaria contro una forza che non risponde.
In un’epoca in cui la maggior parte della visione avviene da soli, a casa o al telefono, “Che mondo meraviglioso“ insiste – quasi ostinatamente – sull’attenzione collettiva come atto radicale.
“È una lettera d’amore per le opere d’arte basate sul tempo”, ha detto Kittelmann, “e una lettera d’amore per Los Angeles”.
