I visitatori di Fort Kochi vedranno un’installazione piuttosto insolita al primo piano del magazzino olandese. Grandi bambole imbottite dai colori vivaci sono posizionate giocosamente su morbidi tappeti. L’artista olandese Afra Eisma, attraverso l’installazione “Hush”, invita gli spettatori a interagire con l’opera: siediti un po’, coccolati con le bambole se necessario. È tutta una questione di connessione, cube.
Presentato dal Museo di Arte e Fotografia (MAP), Bangalore, lo spettacolo, Lieve dente di latteè un lavoro in due parti – Hush e Warrior Clothes – che definisce la pratica intensamente politica, ma allo stesso tempo carica di emozioni, di Eisma.
Mentre “Hush” è un mosaico di morbidi tappeti, ceramiche e tessuti sparsi sul pavimento della stanza in un arazzo tattile, “Warrior Clothes” ha abiti lunghi in seta e organza, con testi dipinti a mano che li attraversano.
L’opera di Afra Eisma ‘Hush’ | Credito fotografico: Philipp Scholz Rittermann
Nominata per il Volkskrant Visible Artwork Prize 2026 (un prestigioso premio d’arte per artisti sotto i 35 anni, che vivono o lavorano nei Paesi Bassi), la 33enne Eisma è stata in prima linea in una campagna #metoo nei Paesi Bassi che cercava di denunciare la violenza sessuale e lo sfruttamento nel mondo dell’arte.
Estratti modificati da un’intervista.
C’è conforto tra gli esseri grandi e morbidi nell’installazione “Hush”. Da dove è nata l’concept?
L’concept di “Hush” è nata dalla necessità di creare spazi di sicurezza e cura. Al centro della mostra c’è la mia pratica di elaborare il trauma personale attraverso il fare, in particolare il trauma connesso alla violenza di genere e le conseguenze fisiche di questa. Il titolo dell’opera ‘Hush’ si riferisce alla respirazione che diventa punto di partenza. La respirazione è intima e potente: un atto semplice e corporeo che può calmare il sistema nervoso e riconnettere corpo e mente. Da lì, gli esseri morbidi e sovradimensionati emersero come manifestazioni fisiche di conforto, protezione e sostegno reciproco.
Sono compagni immaginari, esseri ultraterreni progettati per sostenersi, trasportarsi e vegliare l’uno sull’altro, modellando il tipo di cura che credo sia necessaria per la guarigione. La scala e la tattilità delle opere sono intenzionali. Rendendo le determine grandi, morbide e avvolgenti, l’opera invita i visitatori a rallentare, a togliersi le scarpe ed entrare in uno spazio che sembra non minaccioso e generoso. ‘Hush’ nasce in definitiva dal desiderio di trasformare il dolore in un ambiente condiviso e gentile, in cui la vulnerabilità è consentita, il respiro viene notato e il conforto diventa un’esperienza collettiva piuttosto che solitaria.
Un visitatore interagisce con l’installazione ‘Hush’ | Credito fotografico: Philipp Scholz Rittermann
Come descriveresti il tuo processo artistico?
Il mio processo artistico inizia dall’emozione piuttosto che dalla forma o dal concetto. I sentimenti, soprattutto quelli spesso considerati scomodi, come la rabbia, il dolore, la paura o l’ambiguità, vengono trattati come fonti di forza interiore e conoscenza. Lavoro in modo molto intuitivo, permettendo alle esperienze, alle sensazioni corporee, ai ricordi, alle conversazioni e all’impegno degli attivisti di sedimentare lentamente in immagini, trame e personaggi. Fare è un modo di elaborare: lavorando con le mani, posso pensare, sentire e liberarmi allo stesso tempo. Il mio lavoro richiede molta manodopera a causa delle tecniche artigianali che utilizzo e il tempo, l’energia e le emozioni investite nel processo di realizzazione vengono trasferite nel lavoro e percepite da coloro che lo incontrano.
Il processo è non lineare e relazionale. Le idee si muovono avanti e indietro tra quaderni di schizzi, scarabocchi, scritti, tessuti, ceramiche, suoni e disposizioni spaziali. Un essere potrebbe inizialmente apparire come un piccolo disegno, poi ritornare come un oggetto di ceramica e successivamente trasformarsi in un arazzo di grandi dimensioni su cui puoi sederti o appoggiarti. Mi interessa il modo in cui i motivi migrano e si trasformano, proprio come fanno le emozioni. Niente esiste isolatamente; ogni opera giustifica e nutre le altre.
L’artigianato è fondamentale nel modo in cui lavoro. Tecniche come il tufting, il cucito e la costruzione manuale della ceramica sono lente, ripetitive e fisiche, il che lascia spazio alla riflessione e alle emozioni in superficie. Il lavoro stesso è parte del significato: a volte i punti diventano “arrabbiati”, a volte le forme diventano morbide e protettive. Colori vivaci ed estetica giocosa vengono deliberatamente utilizzati per avvicinarsi delicatamente alle esperienze più oscure, lasciando spazio alla cura, alla generosità e all’invito piuttosto che al confronto.
Alla wonderful, il processo si espande verso l’esterno, nello spazio espositivo. Penso alle installazioni come ambienti di ospitalità: luoghi che accolgono i visitatori, incoraggiano il riposo, la conversazione e lo stare insieme. La partecipazione del pubblico non è un ripensamento ma un’estensione dell’etica del lavoro. Il mio processo si sente completo quando il lavoro diventa un’esperienza condivisa in cui apre spazio alla connessione, alla riflessione e alla cura reciproca.
‘Indumenti del guerriero’ di Afra Eisma | Credito fotografico: Jules Lister
Hai parlato apertamente di violenza sessuale e traumi. La sopravvivenza scorre come una corrente sotterranea nel tuo lavoro. Stai anche creando spazi in cui gli spettatori possano elaborare il proprio trauma. L’arte indica la by way of della guarigione?
Non penso che l’arte indichi la by way of per la guarigione, come se ci fosse un percorso o una soluzione chiara. Per me, l’arte offre un modo in cui la guarigione può iniziare, fermarsi o semplicemente essere trattenuta. Lavorare mi aiuta a elaborare esperienze che sono ancora troppo complesse o dolorose per essere espresse nel linguaggio. Attraverso un lavoro lento e intenso e la ripetizione, le emozioni si muovono attraverso il mio corpo e nel materiale, e questo di per sé è una forma di guarigione.
A volte la guarigione inizia semplicemente non essendo soli con ciò che porti con te. Spero che il mio lavoro possa essere un compagno per coloro che hanno subito violenza sessuale.
Essere un sopravvissuto alla violenza sessuale può essere profondamente isolante e story isolamento può essere pericoloso. Affrontando chiaramente questa esperienza e affermando che il mio lavoro è fatto apposta per coloro che l’hanno vissuta, spero di aprire uno spazio in cui le persone si sentano abbastanza sicure da riconoscere se stesse, sentirsi meno sole e iniziare a normalizzare le conversazioni su questo argomento.
Gli esseri giocosi nel tuo lavoro sono ispirati da qualcuno o qualcosa dell’infanzia?
Non sono direttamente ispirati a personaggi o determine specifiche della mia infanzia, ma si collegano a un modo childish di immaginare e relazionarsi con il mondo. Volevo creare esseri che possano offrire il calore di un abbraccio senza essere troppo umani. A volte desideriamo essere abbracciati o confortati, ma il contatto da uomo a uomo può sembrare complicato o opprimente. Mantenendo queste determine leggermente ultraterrene, consentono un diverso tipo di intimità, in cui si mantiene il pieno controllo di quanta vicinanza o contatto si desidera.
Mi interessa l’apertura che spesso hanno i bambini, la loro capacità di inventare compagni, di muoversi fluidamente tra fantasia e realtà e di affrontare emozioni pesanti attraverso il gioco. Questi esseri funzionano un po’ come amici immaginari: possono sopportare sentimenti difficili senza diventare opprimenti.
Allo stesso tempo, sono fortemente influenzati dalle mie esperienze adulte. La giocosità è intenzionale in quanto crea un punto di ingresso che sembra gentile e non minaccioso. Quindi, anche se le determine possono riecheggiare l’immaginazione childish, in realtà riguardano la creazione di un linguaggio condiviso e premuroso nel presente, che fa spazio alla vulnerabilità, alla protezione e alla connessione.
Dall’opera ‘Warrior Clothes’ | Credito fotografico: Philipp Scholz Rittermann
Cosa ti ispira come persona e artista?
Sono profondamente influenzato dalla letteratura e dagli scrittori che immaginano modi alternativi di essere e relazionarsi, come Meenakshi Thirukode, Sara Ahmed, Ursula Okay. Le Guin e Audre Lorde. Il loro pensiero mi aiuta a comprendere le emozioni come forze politiche, collettive e trasformative. Sono anche ispirato dagli artisti intorno a me come: Karin Iturralde Nurnberg, Marnix van Uum, Afrah Shafiq e Buhlebezwe Siwani, nonché da quelli che sono venuti prima, tra cui Ovartaci, Dorothy Iannone, Sister Gertrude Morgan e Mrinalini Mukherjee.
Ciò che mi ispira di più è la connessione: tra persone, materiali, emozioni e modi condivisi di immaginare come potremmo sostenerci e prenderci cura l’uno dell’altro.
Come descriveresti la scelta del materiale? Che ruolo gioca il materiale nel tuo processo?
I materiali sono centrali nella mia pratica, non sono solo contenitori di idee, ma elementi attivi del lavoro. Scelgo colori vivaci di filati, tessuti, smalti per ceramica e altri materiali tattili per la loro fisicità e reattività; ogni materiale ha il suo peso, consistenza e ritmo. La morbidezza del tessuto consente intimità e tatto, la ceramica mantiene la forma pur trasmettendo un senso di fragilità, e il colore diventa un modo per guidare l’emozione e l’attenzione.
Cosa hai provato riguardo allo spazio a Kochi? Lo spazio si prestava al tuo lavoro?
Lo spazio a Kochi è bellissimo, ma porta anche una storia importante. Il magazzino olandese, con il suo passato coloniale, mi ha ricordato come gli spazi non siano mai neutrali. Contengono strati di potere, spostamento e memoria. Forme morbide, premurose e giocose sono entrate in un sito plasmato da storie di controllo ed estrazione. Poiché il magazzino olandese si trova nel cuore di Fort Kochi, la curatrice Arnika Ahldag e io abbiamo ritenuto importante creare uno spazio che incoraggiasse la raccolta, la permanenza e gli incontri informali. Ciò è in linea con il modo in cui voglio che le mie installazioni funzionino: come luoghi di cura, riflessione e connessione che parlano sia di storie personali che politiche.
Quali sono i tuoi prossimi progetti?
Al momento, ho iniziato a lavorare per la Kinderbiennale (Biennale dei bambini) al Groninger Museum, insieme a molte altre mostre imminenti. Una parte della presentazione presso il magazzino olandese si recherà al MAP di Bangalore, il che significa che tornerò in India in primavera.
Gentle Tooth of Milk sarà in mostra al Dutch Warehouse di Fort Kochi fino al 31 marzo.
