“Siamo stati evacuati il 7 gennaio e non siamo più tornati”, mi cube l’artista Teresa Baker quando ci colleghiamo per parlare del lavoro che ha realizzato per la Biennale di Whitney di quest’anno, che è tra le mostre di arte contemporanea americana più influenti del paese.
Ospitata ogni due anni dal Whitney Museum of American Artwork di New York, la biennale di quest’anno presenta 56 artisti e collettivi, circa 1 su 6 dei quali ha vissuto e lavorato a Los Angeles nel periodo trascorso dall’ultima iterazione del sondaggio. La distruzione di massa provocata dagli incendi di Los Angeles dello scorso gennaio ha reso quell’intervallo lontano dalla routine e, come Baker, molti artisti partecipanti hanno trascorso del tempo a riprendersi o ricostruire.
Baker, suo marito e i loro tre figli piccoli, tutti di età inferiore ai 5 anni, si sono trasferiti cinque volte nell’ultimo anno. Prima a San Diego, poi a San Francisco e New York Metropolis, e infine due volte nel Montana, uno stato che Baker conosce fin dall’infanzia.
L’eredità indigena e tedesca di Baker informa i suoi tre grandi collage astratti, creati utilizzando erba sintetica animata da vernice acrilica, filati e una varietà di materiali naturali, tra cui buccia di mais, salice, pelle di bufalo e pelle di daino. Sono innegabilmente pittorici. I pezzi, cube Baker, sono stati realizzati “in un periodo tumultuoso, un periodo di transizione”.
Veduta dell’installazione della Biennale del Whitney 2026. Da sinistra a destra: Teresa Baker, “To the Morning Gentle”, 2025; Teresa Baker, “Il raccolto che si scioglie sulla nostra lingua”, 2025; Teresa Baker, “Giornata voluminosa”, 2025.
(Darian DiCianno/BFA.com)
La gloria del mondo naturale, “i gesti molto grandi e grandiosi” del paesaggio del Montana, hanno informato l’arte di Baker sin dal suo volo da Los Angeles. Dopo aver lavorato nel suo nuovo studio di casa, Baker cube di meravigliarsi della bellezza del tramonto – la profondità dell’arancione e del blu – mentre guida per andare a prendere i suoi figli a scuola.
“Penso che quello che sto vivendo in questo momento, e forse di cui sono particolarmente consapevole a causa dell’intensità dell’ultimo anno, sia stupore”, cube. “È così semplice, ma penso che sia ciò che questo paesaggio mi sta dando, uno stupore costante nel mezzo di un mondo davvero deprimente e un anno difficile per la famiglia.”
Lasciare Los Angeles è stato difficile, soprattutto per la comunità artistica di sostegno che ha coltivato, ma “con tutte le incognite scientifiche post-incendio”, spiega Baker, “abbiamo preso la decisione di partire per la sicurezza dei nostri figli piccoli”.
Ritornando nel Montana, Baker si è allineata con un’altra artista di Los Angeles, Andrea Fraser. Fraser è nata nel Montana e afferma di considerarsi una “persona occidentale”, anche se ha vissuto a New York per 25 anni.
“È molto diversa dalla cultura della costa orientale, che è molto più influenzata dall’Europa, molto più intellettuale”, afferma Fraser.
Andrea Fraser, Senza titolo “(Object) IV”, 2024 (dettaglio). Armature in cera microcristallina, alluminio e acciaio, 5 7/8 × 35 3/8 × 15 3/4 pollici (14,9 × 89,9 × 40 cm). Collezione dell’artista. ©Andrea Fraser. Per gentile concessione dell’artista, della Marian Goodman Gallery e della Nagel Draxler Gallery.
(Rebecca Fanuele)
Fraser è tra i partecipanti più esperti di questa biennale, avendo partecipato anche nel 1993 e nel 2012. Il suo contributo – cinque sculture modellate in cera microcristallina di bambini addormentati – appare accanto a tre dipinti degli anni ’60 di sua madre, Carmen de Monteflores, che ora ha 92 anni.
Riflettendo sul suo ritorno alla scultura dopo diversi decenni come acclamata efficiency e artista concettuale, Fraser osserva che gli artisti di Los Angeles presenti alla biennale di quest’anno sono uniti dall’intersezione tra arte concettuale e artigianato.
“Almeno una volta all’anno vado negli studi di ceramica dell’UCLA e lancio una dozzina di vasi”, cube, sottolineando che è un processo in cui è abbastanza brava.
“Il mio storage è stato una specie di falegnameria per un po’. Ho realizzato la mia scrivania, ho realizzato la scrivania, l’armadietto e gli scaffali del mio companion. Ne facevo un bel po’, ma poi ho trasformato il mio storage nella mia palestra domestica, un diverso tipo di scultura”, cube ridendo. “Molto Los Angeles.”
Vista dell’installazione della Biennale del Whitney 2026. Hyundai Terrace Fee Kelly Akashi 2026. “Monument (Altadena).”
(Timothy Schenk)
Un’altra artista di Los Angeles, Kelly Akashi, che ha perso la casa e lo studio advert Altadena, ha eretto “Monument (Altadena),” un camino in vetro nel patio esterno del Whitney. Ispirata alla versione in mattoni e malta lasciata sul sito della sua ex casa, si erge come un’icona solenne, facendo eco a centinaia di altri snelli sopravvissuti che ancora punteggiano le cicatrici delle bruciature dell’space di Los Angeles, così come i numerosi grattacieli di Manhattan che ora la incorniciano.
Il camino, cube Akashi, è “una specie di oggetto irrequieto. Funziona solo con una casa”. Una volta creato un camino che sta da solo, “segnala sempre quell’assenza”.
Anche la scultrice Sula Bermudez-Silverman – che, come Akashi, lavora spesso con il vetro – ha pensato alla casa in relazione alla perdita causata dagli incendi di Los Angeles.
Il catalogo della biennale presenta Bermudez-Silverman in conversazione con suo padre, lo psicoanalista George Bermúdez, e in esso Bermudez-Silverman afferma che l’incendio di Eaton advert Altadena “è stato per me un grande catalizzatore per ripensare il mio rapporto con le cose materiali, e anche per l’impatto più ampio del consumo, che mi ha portato a vivere in modo più minimale”.
L’artista Ali Eyal, nato in Iraq e residente a Los Angeles, si trova nel suo studio di casa davanti al suo lavoro. Eyal fa parte della Biennale del Whitney di New York di quest’anno, una mostra che presenta molti artisti che hanno vissuto e lavorato a Los Angeles
(Carlin Stiehl/Per il Instances)
Il pittore iracheno Ali Eyal, residente a Los Angeles, che ha lasciato il suo paese d’origine nel 2017, ha vissuto gli incendi attraverso il prisma della sua tumultuosa giovinezza. “Quando ho visto quel fumo nero mi ha riportato ai tempi della guerra, sembrava una zona di guerra”, ha spiegato.
“LA mi ricorda la mia infanzia. Non so perché”, ha riflettuto Eyal, aggiungendo che la luce del sole è una delle linee guida più palpabili, che evoca ricordi stimolanti, ma afferma anche il piacere del presente.
Veduta dell’installazione della Biennale del Whitney 2026. Ali Eyal, “Look The place I Take You”, 2026.
(Jason Lowrie/BFA.com)
“Il tramonto è un momento difficile per me, a causa di tutta la violenza che mi è accaduta durante il tramonto”, ha spiegato Eyal. “Ma a Los Angeles il tramonto è diverso, il viola, l’arancione, tutti questi colori insieme.”
Mentre quello stesso sole sorgerà sempre a est e tramonterà sempre a ovest, il lavoro di questi artisti afferma che ogni nuovo giorno spetta a noi rinnovarlo, indipendentemente dai dolori che potrebbero esserci alle spalle.
