All’India Artwork Truthful (IAF) Design, dell’architetto Kunal Maniar Panchina dell’Amoreun pezzo scultoreo di metallo di 21 piedi e 3.000 kg con un supporto in giacinto d’acqua e fibra di polpa di banana, ha fatto fermare gli ospiti. Altrove, Fiorituraun lampadario del designer Dhruv Agarwwal esplora la nostalgia e la curiosità childish attraverso perline colorate Channapatna, con una tavolozza di colori ispirata alla sua visita al Kumbh mela. E quello dell’architetto-designer Ashiesh Shah Taamr (rame) sega tradizionale matkas reinventati come apparecchi di illuminazione.
Di Dhruv Agarwwal Fioritura lampadario | Credito fotografico: accordo speciale
Più grande, più audace e più espansiva che mai, la sezione design, giunta alla sua terza edizione, comprendeva 14 studi indiani e due gallerie di design internazionali. Le opere in edizione limitata, guidate dal processo, hanno offerto un’istantanea della diversità e dello slancio del design contemporaneo. “Ciò che period iniziato come un’introduzione mirata si è trasformato in uno spazio che mette in primo piano pratiche basate sull’artigianato, intelligenza materiale e pensiero interdisciplinare”, spiega Jaya Asokan, direttrice della fiera. “Ogni anno abbiamo assistito a un coinvolgimento più profondo – da parte del pubblico, delle istituzioni e dei professionisti – nell’affermare che il design non è marginale nel dibattito artistico ma ne è parte integrante. I confini tra arte, design, artigianato e architettura sono sempre più fluidi.”
Jaya Asokan, direttrice dell’India Artwork Truthful | Credito fotografico: accordo speciale
Villa Swagatam e Æquo hanno presentato il lavoro della designer francese Marie Gastini. Lo stand esponeva ricami, illuminazione e posti a sedere. | Credito fotografico: accordo speciale
“Il design integra l’ecosistema artistico. Collega artigianato, cultura, funzionalità e creatività in modi che appartengono al più ampio dialogo culturale.”Kunal ManiarArchitetto principale, Kunal Maniar and Associates
Sovrapposizione tra arte e design
Il design è oggi a un punto di svolta in India. Oltre a costituire una categoria commerciale distintiva della fiera d’arte, il 2026 ha visto una delegazione del Salone del Cell, la principale fiera di design milanese al mondo, visitare il paese durante l’IAF, e subito dopo eventi come India Design ID. L’espansione delle infrastrutture – con mostre dedicate, gallerie di design da collezione, residenze e una base crescente di collezionisti informati – sottolinea questo cambiamento strutturale.
E i designer stanno rispondendo: il marchio più accessibile di Vikram Goyal, Viya, ha aperto un negozio a Mumbai la scorsa settimana, sottolineando la crescente fiducia nel mercato interno. All’IAF Design, diversi partecipanti, tra cui Galerie Maria Wettergren (Francia), Kunal Maniar (Mumbai), Kohelika Kohli Karkhana (Nuova Delhi) e Morii Design (Gujarat), hanno presentato per la prima volta.
Morii Design | Credito fotografico: accordo speciale
“L’evoluzione della fiera d’arte da una piattaforma puramente incentrata sull’arte a una che riconosce la forte sovrapposizione tra arte e design rispecchia il modo in cui il mondo pensa oggi”, afferma Kohelika Kohli, CEO dell’atelier di design multidisciplinare. “Mentre il pubblico diventa sempre più esposto a livello globale e culturalmente informato, l’arte non è più confinata ai muri; modella mobili, oggetti e interi ambienti”.
Narrazioni moderne
Rooshad Shroff, architetto-designer con sede a Mumbai, ritiene che il design abbia bisogno del proprio spazio e che il numero crescente di piattaforme sia una buona notizia. “Vedo il panorama del lusso indiano allontanarsi dal branding esplicito e dalla produzione su larga scala, gravitando invece verso l’artigianato e il su misura”, afferma il fondatore della boutique RooshadSHROFF, le cui installazioni all’IAF utilizzavano pietra, metallo e tessuti pregiati, inclusa la sua prima esplorazione di mobili imbottiti.
Lo stand di Rooshad Shroff | Credito fotografico: accordo speciale
I suoi divani, poltrone e poggiapiedi erano drappeggiati in pregiato cashmere. “L’intenditore del lusso oggi è più perspicace, attratto dalle narrazioni moderne che riconoscono la storia e il patrimonio, e questo cambiamento, per me, riflette una percezione culturale più profonda di autenticità, artigianalità ed espressione personale nel regno del lusso”, aggiunge.
Quello di Goyal La misura della vita aveva oggetti in ottone che reinterpretavano le tecniche tradizionali come lo sbalzo e l’intarsio, ispirandosi alla cosmologia, alla natura e alle favole indiane come quella Panchatantra. “L’intenzione period quella di evocare la tranquillità comunitaria, ricordando che l’armonia non è l’assenza di tensione, ma l’equilibrio di più voci all’interno di uno spazio condiviso”, spiega.
Armonia dei Cieli pannello | Credito fotografico: accordo speciale
Vana; Gaja. L’Elefante; Vyaghra. La tigre; e Kurma. La tartaruga | Credito fotografico: accordo speciale
Studi come Nitush-Aroosh hanno spinto i materiali industriali in nuove direzioni, utilizzando l’acciaio inossidabile per modellare forme scultoree. Utilizzando tecniche di idroformatura e pressione, hanno trasformato il metallo in forme fluide. “Abbiamo creato opere in cui il processo rimane visibile, consentendo a ogni pezzo di esistere non solo come cell, ma come oggetto con una propria presenza e identità”, spiega Nitush Mahipal, metà del duo di designer con sede a Nuova Delhi.
Tessile e tattile
Le tradizioni artigianali, in particolare le pratiche tessili, hanno ancorato molti stand. La Scuola di artigianato Chanakya mostrava il ricamo, la tessitura e la lavorazione del pizzo come incarnati dal lavoro femminile. Morii Design, uno studio tessile con sede a Gandhinagar, che lavora con 200 artigiane in tutta l’India, tra cui ricamatrici Rabari di Kutch, artigiane Sujni nel Bihar e artigiane Kantha nel Bengala, ha esposto Spazio profondoun’installazione immersiva creata con pannelli indaco ricamati a mano ispirati al cielo notturno.
Primo piano del ricamo della Scuola di Artigianato Chanakya | Credito fotografico: accordo speciale
Stand della Scuola di artigianato Chanakya | Credito fotografico: accordo speciale
Morii Design | Credito fotografico: accordo speciale
Aspura, una galleria fondata da Jaipur Rugs per tappeti da collezione, ha esposto un’edizione limitata del Kamala Home Carpet, un tappeto a pelo lungo a quadri bianco sporco, realizzato in seta di bambù, progettato dal defunto architetto vincitore del Premio Pritzker BV Doshi. La galleria ha presentato anche due scrivanie antiche disegnate da Doshi, accompagnate da una foto del tappeto della fotografa Dayanita Singh.
Tappeto Kamala Home advert Aspura | Credito fotografico: accordo speciale
Clientela culturalmente preparata
La pratica dell’artista multidisciplinare Ghiora Aharoni con sede a New York tratta gli oggetti come vasi di memoria. Le sue opere presentate erano incentrate su Zamrud, un reliquiario di smeraldi in ottone, così come sculture murali in Hindru, il suo linguaggio visivo inventato (che fonde hindi e urdu). Attraverso i mezzi, ha confuso le categorie: arte e design, oggetto e testo. Il reliquiario period sia un contenitore sacro che un oggetto domestico; i pezzi murali simili a sceneggiature funzionavano come poesia visiva. Cube che i visitatori erano estremamente curiosi e ben informati e che l’accoglienza riservata al suo lavoro è stata “straordinaria”.
Allo stand di Ghiora Aharoni | Credito fotografico: accordo speciale
Altrove, la pratica orientata alla ricerca del product designer Gunjan Gupta ha messo in discussione il rapporto dell’India con la sedia, utilizzando vasi, cestini e sgabelli in modi innovativi. Advert esempio, il Trono Tokri Wala ha catturato le immagini iconiche di tokris (cestini) portati dai venditori ambulanti in tutta l’India sovrapposti a una sedia. “Man mano che i collezionisti diventano più culturalmente alfabetizzati, cercano la profondità piuttosto che la decorazione”, afferma. “Il futuro del design da collezione premierà l’integrità dei processi, la collaborazione e le idee che resistono nel tempo”.
Trono Tokri Wala (a sinistra)
Spazio al collezionismo
Ma c’è davvero spazio per il design in una fiera d’arte? C’è chi se lo chiede. Come ha recentemente scritto lo scrittore culturale Gautami Reddy in un pezzo per la piattaforma digitale Ocula“Arte e design che condividono la stessa piattaforma erano un argomento di conversazione ricorrente [at the art fair] e un’evidente fonte di disagio. “Probabilmente è una decisione economica”, ha detto qualcuno.”
Ma altri mantengono la mente aperta. “Negli ultimi anni, le fiere d’arte hanno iniziato a dare spazio a materiale storico-artistico, spesso attraverso stand organizzati da musei e istituzioni. Ora che il design sembra aver trovato spazio anche in queste fiere, sarà interessante vedere se le sue storie inizieranno a essere presentate in modo simile”, afferma il gallerista Mortimer Chatterjee, di Chatterjee & Lal.
In un mondo caratterizzato da una crescente intersezionalità, arte e design non possono convivere fianco a fianco? Dopotutto, gli stand di design sono spesso un’apertura per chi acquista per la prima volta per accedere alle opere e una porta d’accesso al più ampio (e spesso più costoso) mondo dell’arte.
Lo scrittore è un giornalista e autore con sede a Mumbai.
